Wild, animalisch, schön, frei

von Katka Räber

Endlich konnte in Locarno wieder das Internationale Filmfestival – unter Corona-Schutzmassnahmen – über die Piazza Grande gehen. Welch eine Wohltat, welch ein Fest der Sinne! Für mich war diesmal der Spielfilm „Soul of a Beast“ des Regisseurs Lorenz Merz der herausragende Schweizer Beitrag.

Warum gehe ich ins Kino? Was erwarte ich von einem Kinobesuch? Was geben mir Filme? Mit Filmen kann ich reisen, auch ganz weit, ohne ins Flugzeug steigen zu müssen. Ein Kinobesuch ist immer billiger als jeder Easy-Jet-Flug – und für die Umwelt viel gesünder. Filme können mich in die entferntesten Landschaften entführen. Sie bringen mir fremde Kulturen, fremde Lebensarten, fremde Schicksale näher. Ich kann mich identifizieren – oder gerade umgekehrt: Meine Position differenzieren. Ich kann Empathie mit den Protagonist/Inn/en empfinden oder mich mit meiner Meinung abgrenzen. Filme regen mich an, liefern Diskussionsstoff, verleiten zum Träumen oder vermitteln mir neue Informationen, neue Lösungen von Lebensproblemen. Oder (last but not least) sie unterhalten mich und bringen mich auf neue oder andere Gedanken.

Jung, leidenschaftlich, authentisch

Vieles davon deckt für mich der herausragende Schweizer Film „Soul of a Beast“ ab, bei dem eigentlich nur die „schwizerdütschen“ Dialoge darauf hinweisen, dass es ein helvetischer Streifen ist.
Der Film ist jung, leidenschaftlich, schnell, authentisch und stark. Die Geschichten des jungen Mannes Gabriel, der als Teenie in Zürich Vater geworden ist und jetzt als alleinerziehender Jugendlicher seines ca. dreijährigen Sohnes zwischen Verantwortung und seiner jugendlichen Lebensfreude und Lust am Ausprobieren und Ausloten von Grenzen pendelt.

Hierzu wird das Publikum auf eine hinreissende Art mitgenommen. Zoé, die ebenfalls noch nicht volljährige Mutter des kleinen Jaimie, ist im Gegensatz zum wilden Skateboardfahrer Gabriel, der zusammen mit seinem Freund Joel das urbane Zürich unsicher macht, ein verwöhntes Kind der Zürcher Goldküste und in ihrem steten Drogenrausch als Mutter nicht zu gebrauchen. Gabriel verliebt sich in die Freundin seines Freundes Joel, in die ungezähmte Corey, die gerade auf dem Sprung ist zu ihrem Vater nach Südamerika. Junges, wildes Verliebsein, Eifersucht und Gefühle von Verrat und Freundschaft, von Verantwortung und Traum.

Schöne junge Menschen im Gefühlschaos

Ich habe selten diese Zerrissenheit von jugendlicher Unbekümmertheit, Risikobereitschaft und Verantwortung auch körperlich auf der Leinwand dargestellt gesehen und dadurch im eigenen Inneren als Erinnerung erlebt. Da stimmt der wilde Rhythmus, die Bilderfolge, hervorragend durch die Kamera eingefangen, die schauspielerische Leistung aller Mitwirkenden, einschliesslich des kleinen Jaimie.
Obwohl auch Drogen und grosse Gefahren eine Rolle spielen, schaut man den schönen jungen Menschen in ihrem Gefühlschaos gerne zu. Das fast animalische Gefühl des Wunsches nach Freiheit, das filmische Einfangen der jungen Sexualität und der Zerrissenheit zwischen Wunschträumen und Wirklichkeit sind sehr menschlich und feinfühlig dargestellt. Die Seele eines wilden Tieres schlummert in so manchem jungen Menschen. Wehe, wenn sie losgelassen…

„Soul of a Beast“ hätte ich sogar den Goldenen Leoparden gegönnt, was ich sonst praktisch noch nie bei Schweizer Produktionen in Erwägung gezogen habe. Wobei man sich keineswegs immer mit den Protagonisten identifizieren muss, um mit Sympathie und Empathie an ihrer Seite zu stehen. Es war der authentische Rhythmus und Ton der Bilder und die Echtheit der jungen Gefühle, die mich filmisch absolut überzeugt haben. Herausragend. ♦

Lorenz Merz (Regie): Soul of a Beast – Spielfilm, mit Pablo Caprez, Ella Rumpf, Luna Wedler, Tonatiuh Radzi u.a., 100 Minuten

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Trauerspiel im Dreivierteltakt

von Katka Räber

Die beiden Schweizer Zwillingsbrüder Ramon und Silvan Zürcher haben mit „Das Mädchen und die Spinne“ einen eigenwilligen Film über jetzige Beziehungen gedreht. Der Film wurde an der Berlinale 2021 mit dem Preis für die beste Regie in der Sektion Encounters ausgezeichnet. Begründung der Jury: „Die beeindruckende Ausführung einer rigorosen Inszenierung, welche die Mehrdeutigkeit jeder Figur mit Anmut, Humor sowie Raffinesse unterstützt und letztlich die Komplexität menschlicher Beziehungen umfasst.“

Während des Umzugs von Lisa, einer jungen Frau, aus einer WG und des Einzugs in ihre neue Wohnung, die sie nun alleine bewohnen will, entwickelt sich die Handlung, und auch die Charaktere der Protagonisten zeigen sich in verschiedenen Schattierungen. Die drei Aristotelischen Einheiten von Ort, Handlung und Zeit, hier an zwei Tagen, werden eingehalten. Bloss einige Erinnerungssequenzen ergänzen die Handlung. In jeder der beiden Wohnungen geht es sehr chaotisch zu, ich hätte da nicht dabeisein wollen. Ganz viele Helfer, Handwerker, Lisas Mutter, andere Hausbewohner und auch Kinder aus den beiden Wohnhäusern handeln und sprechen durcheinander, was es aber auch wiederum leichtfüssig macht – ein wenig im Stil von manchen älteren, stilisierten französischen Filmen.

Gefilmte Stillleben

Obwohl das Beziehungsnetz der Figuren durch kleine Dialog-Episoden ausgeklügelt ist, habe ich mit keiner der Personen mitgefiebert. Sie blieben mir fern, fremd und nicht besonders sympathisch, auch wenn die jungen Menschen schön anzuschauen waren. Aber durch die stilisierte Verfremdung und Überhöhung der Gesprächsfetzen blieben alle auf Distanz. Auch untereinander, obwohl sie einst Freunde gewesen sein wollen. Dies war wohl die Aussage der möglichen Beziehungsmuster. Mir kam das vor, als hätte ich in einer Ausstellung interessante, schön gefilmte Stillleben angeschaut.

Die Figuren sollten sicher die Einsamkeit eines jeden Einzelnen zeigen. Jede und jeder wühlt scheinbar im eigenen Schlamm, macht vielleicht sogar Witzchen, alle lächeln ständig, obwohl es nichts zu lachen gibt. Wie in Tschechowschen Theaterstücken, nur halt in die Gegenwart versetzt, wo alle einsam und unglücklich sind – oder ein bisschen ratlos, obwohl sie vorgeben, einander geliebt zu haben. Wahrscheinlich war es das, was die Euphorie des Berlinale-Publikums hervorrief.

Lange Blicke rätselhafter Figuren

Als ich aus dem Kinosaal kam, war ich schlecht gelaunt. Während dem Film habe ich mich sogar ein bisschen gelangweilt, was mir sehr selten passiert, da ich Beziehungsfilme liebe. Und lustig müssen sie auch nicht sein, aber ein wenig Humor sollte nicht fehlen. (Scheinbar gab es ihn ja, ich habe ihn aber nicht entdeckt). „Das Mädchen und die Spinne“ ist eher ein zeitgenössisches Trauerspiel im Dreivierteltakt – die Melodie eines bekannten Walzers begleitet einen durch den ganzen Film. Immerhin: Rhythmus hat der Streifen, und die langen Blicke der rätselhaften Figuren bleiben mir im Gedächtnis… ♦

Ramon Zürcher & Silvan Zürcher (Regie): Das Mädchen und die Spinne, Spielfilm, Deutschland 2021, mit Henriette Confurius, Liliane Amuat, Ursina Lardi u.a.

Lesen Sie im GLAREAN MAGAZIN zum Thema Beziehungs- und Liebesfilme auch über Christian Petzold: Undine

… sowie über den Dokumentarfilm von F. Chiquet & M. Affolter: Die Pazifistin

Die Abgründe der Liebe

von Katka Räber

Undine, die Wasserfrau, Rusalka oder der Wassergeist… Wenn sie sich in einen Menschen verliebt und dieser die Liebe durch Untreue verrät, muss sie, der Sage nach, den Geliebten töten und selber wieder ins Wasser zurückkehren. Christian Petzold schuf mit „Undine“ einen Film über die Abgründe der Liebe, die nicht nur im Alltäglichen liegen, die viel tiefer, in der Unterwelt, in den Untiefen, in den alten Mythen liegen, in denen auch erträumte Wahrheiten stattfinden. Und er besetzt die beiden Hauptprotagonisten mit den Darstellern aus seinem erfolgreichen Film ‚Transit’.

Die heutige Undine ist bei Regisseur Christian Petzold eine junge Kunsthistorikerin, die öffentliche Vorträge über die Stadtentwicklung von Berlin hält. Wir erfahren sogar einige Fakten über die Rekonstruktion des Schlosses aus dem 17. Jahrhundert, wobei die Vergangenheit in die Gegenwart gehievt wird und damit, wie gesagt, echten Fortschritt unmöglich macht.
In der ersten Szene sehen wir Undine, der ihr bisheriger Freund mitteilt, er werde sie verlassen. Lange Einstellungen, fast wortlos, die Blicke sprechen für sich. Undine warnt ihren scheidenden Freund Johannes, sie müsse ihn töten, falls er sie verlässt, denn er hätte geschworen, sie bis ans Lebensende zu lieben. Da kommt die Sage ins Spiel, die schon von Friedrich de la Motte Fouqué, von Ingeborg Bachmann, in der Musik von Peter Tschaikowski oder von Antonín Dvořák aufgegriffen wurde.

Filmisch meisterhafte Magie

Durch einen glücklichen Zufall trifft bei Petzold der Industrietaucher Christoph in einem Café die gerade verlassene Undine und er zerschlägt in seiner verliebten Zerstreutheit durch ein Missgeschick ein Aquarium, und von da an verbindet das Element Wasser die beiden mit einer leidenschaftlichen Liebe. Die Szenen, in denen realistische Begebenheiten des Alltag in Bildmagie umgewandelt werden, sind hier filmisch meisterhaft vom Kameramann Hans Fromm umgesetzt.
Spannend und sehr sinnlich entwickelt sich diese neue Liebe zwischen Undine und dem Industrietaucher. Das Element Wasser verbindet die beiden Liebenden auf eine schicksalhafte Weise, metaphorisch und real. Doch mit der Zeit ahnt Christoph, dass Undine ein Geheimnis trägt. Undine bestreitet dies, was sie später bereut, doch es wirkt sich schicksalhaft auf die Weiterentwicklung aus.

Unterschiedliche Liebesformen

Zur gleichen Zeit hat Christoph einen schweren Berufsunfall, und Christophs Assistentin Monika, die ihn schon lange heimlich liebt, erweist sich als seine treue Begleiterin. In Gestalt dieser beiden Frauen treffen zwei unterschiedliche Liebesformen aufeinander. Realistische und traumhafte Bilder im Wasser des Stausees wie auch auf dem Trockenen lassen uns dieses sich zuspitzende Liebesdrama nicht so schnell vergessen.

Glaubwürdige Schauspiel-Präsenz

Undine, verkörpert von Paula Beer, die man z.B. aus dem Film „Frantz“ von François Ozon, aber auch wie bereits erwähnt aus Petzolds „Transit“ kennt, dort auch bereits an der Seite von Franz Rogowski, der hier sehr glaubwürdig den feinfühligen Industrietaucher wiedergibt, sowie seine Taucherassistentin Monika, von Maryam Zaree dargestellt. Sie alle tragen durch ihre glaubwürdige Schauspielpräsenz zum Gelingen dieses Mythenstoffes bei, der ein Liebesdrama schildert, leidenschaftlich und glaubwürdig, trotz seiner Märchenhaftigkeit, an die heutige Zeit angepasst. Ein Film voller Zärtlichkeit und vielschichtiger Anspielungen an die Geheimnisse der Liebe. Spannend, sexy, tiefgründig und aufwühlend zugleich. ♦

Christian Petzold (Regie): Undine (2020) – Spielfilm 90 Min – Mit Paula Beer, Franz Rogowski, Maryam Zaree, Jacob Matschenz

Lesen Sie im Glarean Magazin zum Thema Spielfilm auch über „And Then We Danced“ von Levan Akin

Ein Georgien voller Lebensfreude

von Katka Räber

Der in Schweden lebende 40jährige Regisseur Levin Akin kehrt mit seinem neuen Film „And Then We Danced“ zu den Wurzeln seiner Eltern zurück und behandelt eindrücklich die Diskrepanz zwischen Tradition und Moderne im jetzigen Georgien. Ein Film voller Lebenskraft, Jugendlichkeit, Sinnlichkeit und Tanz. Und das alles in der Hauptstadt Georgiens, in Tiflis, wo das nationale georgische Staatsballett hart an den traditionellen Tänzen trainiert.

Der junge Tänzer Merab tanzt seit seiner Jugend in diesem Corps, er geht in den Fussstapfen seiner Eltern, die zwar als Startänzer und Solosängerin ebenfalls an der Spitze der Kunstszene gestanden hatten, heute aber ein trauriges Dasein fristen. Der Vater verkauft an einem Flohmarkt, und die Mutter lebt ihre Depression nur noch zu Hause aus. Und doch bedeutet für Merab das Tanzen das Leben. Seit seiner Kindheit tanzt er mit der gleichen Tänzerin, die sich auch im Leben als seine Freundin sieht.

Jugendlichkeit zwischen Tradition und Moderne

Alles wird erschüttert und in Frage gestellt, als der lebensfrohe und ebenfalls sehr tanzbegabte Irakli im Ensemble auftaucht, der sich schnell als Konkurrent von Merab entpuppt. Der traditionelle Nationaltanz in besonderen Kostümen duldet keine sinnlichen Anspielungen, das Training ist streng und hart.
Im Gegensatz dazu erleben wir sehr sinnlich die jugendliche Körperlichkeit des Ensembles und auch das private Alltagsleben seiner Mitglieder. Vor diesem Hintergrund erwachen natürlich auch sexuelle Begehrlichkeiten nicht nur zwischen den Tanzpaaren, sondern auch unverhofft zwischen den beiden Hauptprotagonisten und Rivalen.
Dies alles wird sehr feinfühlig, aber auch vielschichtig dargestellt. Wir nehmen teil an georgischen Trink- und Essgewohnheiten, an der georgischen Freude an Festivitäten, aber auch am sparsamen, bescheidenen Alltags- und Familienleben.

Hinreissendes politisches Kunsterlebnis

Die beiden Hauptprotagonisten Levan Gelbakhiani und Bachi Valishvili tanzen hinreissend, sind aber auch sehr überzeugende Schauspieler. Der Film wird damit zu einem allumfassenden, auch gesellschaftspolitischen Kunsterlebnis und zu einer Kinoreise ins ferne Georgien, das sicher vom Humor und von der Menschlichkeit her gar nicht so weit entfernt liegt. In der ursprünglichen „Kulisse“ des traditionellen Tanzes wird ein jetziges, sprudelndes, aufbrechendes Lebensgefühl gezeigt, mit grosser Spannung auch zur Kirche, der jetzigen Moral.
Die jungen Leute sehen sich konfrontiert mit der ursprünglich abgelehnten Homosexualität und den tradierten Familienbanden, zwischen dem Druck der Tradition und der Sehnsucht nach Offenheit und Freiheit stehend, in der aber auch die eigenen Talente ausgelebt werden können.
Wie noch selten auf einer Leinwand erleben wir den prickelnden Wunsch nach Verbindung von Tradition und Moderne, natürlich und voller jugendlicher Lebensenergie, die sich auch aufs Publikum überträgt.

„And Then We Danced“ feierte letztes Jahr in Cannes Weltpremiere und wurde von Schweden als Oscarbeitrag eingereicht. ♦

Levan Akin: And Then We Danced, Georgien/Schweden 2019, 113 Minuten

Lesen Sie im Glarean Magazin zum Thema Musik und Film auch über „Glenn Gould – Genie und Leidenschaft“

… sowie zum Thema Homosexualität über Nini & Treadwell: Loving – Männer, die sich lieben (Fotoband)