Ein Sudoku besteht aus 9 x 9 Feldern, die zusätzlich in 3 x 3 Blöcken mit 3 x 3 Feldern aufgeteilt sind. Jede Zeile, jede Spalte und jeder Block soll alle Zahlen von 1 bis 9 jeweils genau einmal enthalten.
In ein paar der Felder sind bereits Zahlen vorgegeben. Bei einem Sudoku darf es nur eine mögliche Lösung geben, und diese muss rein logisch gefunden werden können.
Beim Laien, zumal beim Liebhaber sogenannter „Volksmusik“ haftet dem Akkordeon noch immer der Nimbus des Hummtata-Handorgelns oder des schmalz-kitschigen Shanty-Schifferklaviers an. Als konzertant-virtuoses Solo-Instrument wird es in der breiten Öffentlichkeit noch immer zu wenig wahrgenommen – allenfalls noch in seiner Funktion als Bestandteil von mehr oder weniger ambitiösen „Harmonika“-Orchestern.
Akkordeon-Musik vom Barock bis zur Moderne
Nikola Komatina (Akkordeon): Inspiration – Werke von Scarlatti, Bach, Moszkowski, Aho und Zabel (GWK-Records)
Welche facettenreichen Spieltechniken dem Handzug-Instrument Akkordeon jedoch innewohnen, welche vielfältigen Klangspektren es zu realisieren vermag, das beweisen solche Ausnahme-Virtuosen wie der serbische Akkordeonist Nikola Komatina. Bei dem Label GWK-Records hat der 29-jährige, bereits in jungen Jahren mit vielen Preisen ausgezeichnete Virtuose nun sein CD-Debüt erhalten mit der Produktion „Inspiration“ – einer stilistisch sehr heterogenen Zusammenstellung von D. Scarlatti über J.S. Bach und M. Moszkowski bis hin zu Kalevi Aho (*1949) und Frank Zabel (*1968).
Moderne Musik auf dem Akkordeon: ja – aber auch Barock und Spätromantik? Komatina lässt allen musikgeschmacklichen Puritanismus hinter sich und führt sein Instrument durchaus stilsicher durch die Epochen – dank phrasierungs- und artikulationsreicher Meisterschaft, die den betreffenden Werken weitere Klangoptionen eröffnen.
Dynamische Möglichkeiten des Instruments ausgeschöpft
Komatina weiß dabei genau um die Vorzüge des Akkordeons, wenn er (im Booklet) betont, dass sein Instrument bei barocken Stücken eben Dynamik-Abstufungen realisieren kann, über die das „originale“ Cembalo nicht verfügt(e). Bei Scarlattis Toccata d-Moll K 141 kontrastiert Komatina „stark rhythmisch geprägte“ Passagen mit „gesanglich-weichen“, bei Bachs Englischer Suite Nr. 5 e-Moll BWV 810 wollte er „die einzelnen Töne mit Creschendo und Decrescendo gestalten und die Spannung über mehrere Takte halten“.
Die spieltechnischen Grenzen erreicht
Bis an die spieltechnischen Grenzen des Akkordeons geht Interpret Komatina nicht nur im Caprice Nr. 1 von Frank Zabel, sondern insbesondere auch bei Kalevi Ahos 2. Sonate für Akkordeon „Black Birds“; sogar Virtuose Komatina attestiert diesem Stück, „eines der komplexesten, aufregendsten und schwierigsten Werke der modernen Akkordeonliteratur“ darzustellen. Und sowohl bei Zabel als auch bei Aho kann dabei der Akkordeonist, dessen technische Virtuosität sowohl im rechtshändigen Diskant- wie im linkshändigen Baß-Bereich des Instruments ihresgleichen sucht, hinsichtlich der Klang-Register aus dem Vollen schöpfen: Komatina spielt auf einer großen Konzert-Bugari, deren weites Spektrum der Klappen-Register den klanglichen Anforderungen gerade moderner Komponisten gerecht wird. Von der Imitation von Vogelstimmen (in Ahos „Black Birds“) bis hin zu den komplexen Klangschichten in Zabels „Caprice“ deckt der serbische Künstler eine faszinierend vielfältige und in dieser Intensität noch selten gehörte Spannungsweite moderner Akkordeonmusik ab. ♦
Nikola Komata (Accordion): Inspiration – Werke von Domenico Scarlatti, Kalevi Aho, Johann Sebastian Bach, Frank Zabel und Moritz Moszkowsi, Spieldauer 53:45, GWK-Records
Wer nach einem bibliographisch schön aufbereiteten, mit sauber gestaltetem Layout versehenen, mit gut strukturierten Kommentaren bestückten und mit vielen Diagrammen gespickten Schachbuch sucht, wird bei Werner Kaufmanns „Zwingenden Zügen“ nicht fündig. Noch nicht mal eine Print-Ausgabe gibt es von dieser jüngsten Publikation des in der Zentralschweiz recht bekannten Nationalliga-Spielers und Fide-Meisters. Schach-Puristen mit jahrelanger Gewöhnung an den ästhetischen Mainstream der konventionellen Schachbuch-Herstellung lassen also am besten die Finger von diesen „Zwingenden Zügen“.
Schachpädagogisch originäre Denkansätze
Wer aber ausgeleierte, häufig austauschbare Pseudo-Kommentierung verabscheut, stattdessen sehr originäre, mit Eigenleistung generierte Denkansätze schätzt, die schachpädagogisch für Spieler bis ca. 2000 Elo wirklich nützlich sind, der liegt bei Kaufmann goldrichtig. Kaufmanns E-Book nimmt das uralte Evans-Gambit zum Ausgangspunkt modernster On-the-Board-Überlegungen und propagiert Denkwege, die gänzlich ohne (häufig einfach nachgeplapperte bzw. sinnentleerte) Worthülsen wie „Mustererkennung“ oder „Strategie“ auskommen. Anstelle solcher schachpädagogisch meist nebulöser „Anleitungen“ setzt „Zwingende Züge“ auf praktikable und am Brett vom Spieler situativ umsetzbare Anregungen für das Berechnen wirkungsvoller Schachzüge.
„Keine Pläne!“
Werner Kaufmanns Credo, das er bereits in seinem „Keine Pläne!“, dem Vorgänger-Band der „Zwingenden Züge“ proklamierte und nun anhand zahlloser konkreter Lehrpartien und -stellungen des für diesen Zweck optimalen Evans-Gambits dokumentiert, verkündet allen Lernenden:
„Im Schach geht es um drei Sachen:
Drohung ansehen
Alles angreifen
Nichts einstellen“
Am besten zitieren wir Kaufmann ausführlicher:
Patzer glauben viel eher als Grossmeister zu wissen, was gerade zu tun ist, und ordnen ihre Züge irgendwelchen positionellen oder strategischen Zielen unter. Dem gegenüber prüft der GM, was gerade in der Stellung drin ist, versucht sich über seine Optionen Klarheit zu verschaffen und wählt eine dieser Optionen. Kurzum, der Patzer spielt abstrakt, der GMkonkret. Ich bin überzeugt, dass ich im Schach nur Fortschritte machen kann, wenn ich mich daran gewöhne, mich von Zug zu Zug um Drohungen und Gegendrohungen zu kümmern, ohne irgendwelche strategischen Ziele zu verfolgen.
Der durchschnittliche Schachspieler hat ungefähr 1600 Elo, was bedeutet, dass die Hälfte aller Spieler weniger Elo hat. Über 1800 kommen 20%, über 2000 10% und über 2200 noch 3% der Spieler. Über 2400 sind es noch ein paar Promille, aber richtig gutes Schach wird erst ab 2600 gespielt. Überlassen wird doch das Planen denjenigen, die Varianten auch korrekt berechnen können…
Eine Kurz- bzw. Zusammenfassung der Kaufmann’schen „Gesetze“ bietet der Autor selber auf seiner Webseite.
Jedenfalls aber ist „Zwingende Züge“ des erfolgreichen Innerschweizer Nationalliga-Spielers und Fernschach- sowie Computerschach-Experten Werner Kaufmann sehr pointiert und auch witzig geschrieben, seine Zuganalysen sind mit modernster Software verifiziert (und korrigieren oftmals auch „fehlerhafte“ Programm-Vorschläge…), die Denkansätze sind äußerst unkonventionell, aber auch äußerst einleuchtend.
Für Turnierspieler, die sich für einmal abseits der üblichen „strategischen“ Verallgemeinerungen bewegen und sich konkret auf die schachlichen Notwendigkeiten einlassen wollen, ist dieses E-Book eine lehrreiche Hilfe im Dschungel des Varianten-Dickichts – und insgesamt eine originelle Ergänzung des Schach-Bücherschrankes. Empfehlung! ♦
Duo Imaginaire: Japanese Echoes – Hommage à Claude Debussy (CD)
Das Duo Imaginaire – das sind die Würzburger Konzert-Harfenistin Simone Seiler und der Edinburgher Solo-Klarinettist John Corbett. Gemeinsam realisierten die beiden Künstler ein ganz spezielles Musik-Projekt: „Japanes Echoes“ nennt sich ihre neue CD, die nicht weniger als sechs japanische Komponist(inn)en vorstellt, welche in ihren Werken „antworten“ auf je ein selbstgewähltes Prélude von Debussy. Diese japanische Hommage à Claude Debussy reflektiert vielfältig auch die große Faszination, die Japans und überhaupt die fernöstliche Musiktradition mit ihrer Klangsinnlichlichkeit auf den genialen Impressionisten ausübte.
Sechs unterschiedliche japanische Stil-Ausprägungen
Das halbe Dutzend Werke von Satoshi Minami (*1955), Yasuko Yamagucchi (*1969), Takashi Fujii (*1959), Kumiko Omura (*1970), Takayuki Rai (*1954) und Asako Miyaki (*1967) durchmisst eine weite Bandbreite an Kompositionstechniken und Klangstilen. Jedes der Debussy-Préludes als die vorangestellten Ausgangspunkte der Komponisten aus Japan wurde von dem Duo transkribiert aus dem Klavier-Original in das Klarinette-Harfe-Duett, und über die Legitimation solcher Übertragung eines doch sehr Klavier-fokussierten Impressionismus und dessen klanglich-pianistischen Spezifikationen ließe sich streiten. Doch als Experiment auch im Sinne von „West meets East“ und als Gegenüberstellung sehr unterschiedlicher melodischer und harmonischer Konzepte bei „seelenverwandschaftlichem“ Ansatz hat dies Projekt des Duo Imaginaire seine Berechtigung.
„Eine Art musikalische Haiku“
In seinem Booklet umreißt das Duo die Intention seiner „Japanese Echoes“ folgendermaßen:
Wie wichtig die Tonfarbe für Debussy ist, zeigt sich in der Verwendung seiner expansiven Klangfarbenpalette, die sich auf den Raum oder Umfeld bezieht, nicht jedoch auf die Struktur. Dies geschieht analog zur Shakuhachi-Honkyoku-Tradition, bei der sich der Schwerpunkt auf die Ästhetik eines einzigen Tons konzentriert. Der Klang ist dabei wichtiger als die Struktur. […]
Die musikalische Antwort der japanischen Komponist(inn)en ist eine Art musikalische Haiku oder besser Waka (Antwortgedicht). Es lässt das ausgewählte Prélude in einer neuen Perspektive erscheinen und macht dem Hörer den Bezug Debussys zur japanischen Kultur deutlich.
Dass Debussys Klangsinnlichkeit, seine lebenslange Affinität zur fernöstlichen Kultur, seine Sensibilität für Raum und Stille kein westlicher Kontrapunkt, sondern ein imaginatives Pendent zu japanischen Klangtraditionen darstellt, dokumentiert das Duo Imaginaire sehr eindringlich. Hoher Verschmelzungsgrad des Saiten- mit dem Holzblas-Instrument und buchstäblich zauberhafte Klanglichkeit zeichnen diese Ersteinspielungen aus. Dabei durchmessen sie eine vom Pentatonischem bis zum Quasi-Improvisatorischen reichende, teils meditative, teils gestenreiche, rhythmisch oft kaum nachvollziehbar strukturierte, dynamisch aber feinst abgestufte Musik-Palette, deren Kolorit bei aller impressionistischen Orientiertheit die japanische Herkunft nie verleugnet. Das Duo musiziert eindringlich, verfügt über die nötigen Techniken souverän, insbesondere der Klarinettist interpretiert virtuos. Ein sehr anregende Produktion. ♦
Harfe und Oboe – zwei Instrumente, die im Orchester nur zum Einsatz kommen, wenn es darum geht, etwas Farbe in das Werk zu bringen: Die Harfe, wenn es lieblich werden soll, versüßt sie die Klänge, die süßer nie klingen, oder wenn ihr für einen Wechsel im Tempo über alle Saiten gestrichen wird, nur um dann wieder zu verstimmen. Die Oboe wiederum kommt zum Einsatz, wenn einmal ein rauer Ton in das Klangwerk hinein quaken soll, der ehrlich und direkt sein soll – bei Peter und der Wolf, wo jedes Tier durch ein Instrument repräsentiert wird, steht die Oboe für die Ente. Keine unbedingten Alphatiere unter den Musikinstrumenten also – und wenn die dann solistisch auftreten? Und nun auch noch gemeinsam?
Oboe und Harfe im Duo, lieblich und quäkend – oder umgekehrt
Katerina Englichova und Vilem Veverka: Impressions – Ravel Debussy Sluka (Works for Oboe and Harp)
Zuerst spielte vor fünf Jahren Vilem Veverka, Oboist bei den Berliner Philharmonikern, ein Album mit Telemanns zwölf Phantasien und Brittens sechs Metamorphosen ein. Katerina Englichova folgte ihm dann 2015 mit ihrer CD für Harfenwerke. Die versierte Konzertharfistin setzte auf ein zeitgenössisches Repertoire.Und nun haben die beiden in diesem Jahr ein gemeinsames Album aufgenommen. Oboe und Harfe im Duo, lieblich und quäkend und auch mal umgekehrt. Und man könnte nun darüber schreiben, wie gekonnt es gespielt ist und wie hübsch sich das anhört, und dafür auch die instrumentengerechte Auswahl der allbekannten Stücke der französischen Impressionisten Ravel und Debussy ins Feld führen. Man könnte nun bemängeln, dass ein wenig mehr Mut beim Programm der CD höhere Relevanz verliehen hätte. Immerhin, zwei Erstaufnahmen von kürzeren Werken von Lubos Sluka zeigen, dass angenehme Hörbarkeit auch zeitgenössischen Komponisten gelingen kann. Und man könnte schließlich sagen, dass diese CD vielleicht anders als die jeweiligen Soloeinspielungen auch denen einen Hörgenuss bietet, die den beiden Instrumenten sonst nicht soviel abgewinnen können.
Cover-Gestaltung als unmusikalischer Verpackungsschwindel
Aber nein, an welchen Misstönen stört man sich stattdessen – und das sogar noch, bevor man überhaupt einen Ton gehört hat? An der Covergestaltung dieser CD, und den beiden anderen auch noch gleich nachträglich. Eigentlich sollte es dem Hörer von Musik doch egal sein, wenn sich ein Fotograf mit besonders albernen Inszenierungen hervortut und eine ansonsten doch seriöse Plattenfirma versucht, ihre Vertragskünstler als Superstars zu vermarkten. Aber kann man denn Superstar werden, wenn man die Harfe streicht oder in die Oboe prustet? Oder dadurch, dass man die Oboe schultert, sich in Gummibändern verheddert oder sich um einen auf den ersten Blick quallenhaften Gegenstand herum umgreifend vergreift? Das alles hat so gar nichts mit der Musik zu tun, die damit verkauft wird. Also ein klarer Fall von plumpem Verpackungsschwindel und kruder Selbstdarstellung obendrein: Willkommen im Facebook-Zeitalter.
Musikalische Vision durch das Visuelle gestört
Warum aber sollte das den Hörer stören? Der hört doch nur. Richtig, aber hören ist immer auch sehen. Vor dem geistigen Auge entsteht eine Vision, und die wird vom CD-Cover zumindest beeinflusst. Diese Art von Foto- und Designkunst teilt vor allem eines mit: die Protagonisten nehmen nicht so richtig ernst, was sie tun. Und da sie nun einmal in erster Linie Musiker sind, ist es die Musik, die sie nicht ernst nehmen. Aber vielleicht wollten sie auch einfach sagen: Wir nehmen uns selbst nicht so ernst, sondern nur die Musik.
Wenn man das alberne CD-Cover von „Impressions“ beim Hören möglichst weit weg legt, so dass man es nicht im Blick hat, formen sich Harfe und Oboe trotz ihrer unterschiedlichen Klänge zu einem spannungsreichen Ganzen, worin sich die altbekannten Stücke von Ravel und Debussy neu entdecken lassen.
Na, wenn das so ist! Was also tun in Zeiten wie diesen, wo selbst die selbstironische Distanz mit größter Aufdringlichkeit zelebriert wird? CD aus der Hülle nehmen, auflegen und dann Augen zu und durch: hören und sich selbst ein Bild machen beziehungsweise von der Musik machen lassen. Immerhin, diese klitzekleine Freiheit der inneren Selbstverwirklichung wird uns in der Konfrontation mit den permanenten Selbstdarstellungen noch gelassen.
Kurzum: Wenn man das alberne CD-Cover von „Impressions“ beim Hören möglichst weit weg legt, so dass man es nicht im Blick hat, formen sich Harfe und Oboe trotz ihrer unterschiedlichen Klänge zu einem spannungsreichen Ganzen, worin sich die altbekannten Stücke von Ravel und Debussy neu entdecken lassen – wenn auch die etwas älteren Soloalben der beiden Musiker über die höhere künstlerische Relevanz verfügen. ■
Katerina Englichova (Harfe) und Vilem Veverka (Oboe): Impressions, Werke von Ravel, Debussy und Sluka, Audio-CD, Supraphon
Nachts, jenseits der Zeit schon und ferne, hörst du das Singen der Winde, und du siehst Berge brennen, die wie ein Feuerwerk fallender Sterne verglühen. Zu tief liegt da unten
die Erde, dieses Inferno der Gleichgültigkeit, das auch der Lachende nur eingeschüchtert übersteht, und selbst der Glückliche ist an sein Glück gebunden wie der Erhängte dort an seinem Strick;
ungläubig zögernd noch wie unter großen Mühen spricht der Einsame jetzt sein erstes Gebet, die Augen weiß und leer, vom Saufen ernüchtert,
das Herz zu sehr ans Zerspringen gewöhnt. Der Abschied dann, und dann die Stille, die alles Leben übertönt.
„Weil die lieben Engelein selber Musikanten sein“ – mit diesem Zitat von Martin Luther leitet der Journalist und Preisträger des Deutschen Denkmalpreises Heinz Stade ein außergewöhnlich schönes kleines Büchlein ein, das der Autor dem „musikalischen“ Weimar gewidmet hat.
Weimar hat, so weiß Stade überzeugend darzulegen, mehr zu bieten als nur Goethe, Schiller, Wieland – und wie all die Geistesgrößen heißen mögen, die den Ruf Weimars als „Zentrum“ klassischer Literatur begründet haben. In seinem Reise(ver)führer zeigt der Autor in knappen Texten die wichtigsten Orte des musikalischen Geschehens und dessen Protagonisten in Weimar aufzuzeigen – von gestern bis heute. Weimar nach Noten also – ein genius loci zahlreicher Musiker-Persönlichkeiten.
Im Anfang war Luther
Heinz Stade – Bach, Liszt und Wagner – Spaziergänge durch das musikalische Weimar von gestern und heute – Edition Leipzig
Mit Luther begann’s. Er hatte großen Einfluss auf die Kirchenmusik seiner Zeit, auch und vor allem in Weimar, wo er sich selbst das eine und andere Mal aufhielt. Ihm begegnet der Leser – mit Heinz Stade auf Spurensuche – im Stadtschloss und in der Stadtkirche St.Peter & Paul (Herderkirche). Hier saß Gottfried Walther, ein Verwandter von Johann Sebastian Bach, an der Orgel.
Johann Sebastian Bach lebte von 1708 bis 1717 in Weimar, wo er 1717 eine zeitlang im Gefängnis saß. Hier – im Bachhaus – komponierte er unter anderem viele Orgelstücke, etwa 30 Kantaten und die Frühfassungen der Brandenburgischen Konzerte.
Von Bach bis Albert Schweitzer
Damit ist auch schon einer der titelgebenden Komponisten benannt – in einer Reihe höchst illustre Namen. Nicht nur Johann Sebastian Bach, Franz Liszt (der Weimarer Musiker schlechthin) und Richard Wagner, auch Felix Mendelssohn Bartholdy, Johann Nepomuk Hummel, Albert Schweitzer, der große Orgelvirtuose und Bach-Biograph.
Herder wurde bekannt als kundiger Sammler von Volksliedern, die er „mit den Ohren der Seele“ hörte. Marlene Dietrich, sollte 1919 in Weimar zur Konzertgeigerin ausgebildet werden. Sie fand hier vielleicht (?) sogar ihre erste Liebe. Der 1918 geborene und 1988 verstorbene Komponist Johann Cilenšek hatte eine Professur an der Musikhochschule Weimar inne.
Mozart trifft Wieland, Mendelssohn spielt Goethe vor
Sorgte in Weimar für Aufsehen und Aufregung: Die russische Großfürstin Anna Pawlowna
Der Leser kann sich auf einige wunderbare Ereignisse gefasst machen; Ereignisse, die direkt oder indirekt mit Musik zu tun haben. So trifft Mozart den literarischen Altmeister Martin Wieland in Weimar. Der junge Mendelssohn spielt dem Dichterfürsten Goethe vor. Beethoven’s „Ode an die Freude“ basiert auf der Schillerschen Dichtung. Für Franz Liszt und Richard Wagner war die Musikstadt Weimar von existenzieller Bedeutung. Hector Berlioz ließ Franz Liszt wissen, dass er sich in Weimar „wirklich glücklich“ fühle. Und Richard Strauss machte auf seine Weise in Weimar Furore.
Anna Pawlowna, russische Großfürstin, sorgte in viele Hinsicht für Aufsehen in Weimar. Auch in Sachen Musik. Sie gab mit der Anstellung „…berühmter auswärtiger Virtuosen wie Eberhard Müller, Johann Nepomuk Hummel und Franz Liszt grundlegende Impulse für die Entwicklung Weimars zu einem weithin ausstrahlenden Musikzentrum“ (Heinz Stade).
Weimar’scher Glanz bis in unsere Tage
„Spaziergänge durch das musikalische Weimar“ ist ein wunderbarer, sehr informativer und sehr schön erzählter Reise(ver)führer. Heinz Stade gelingt es, den Leser (und sicher auch den Weimar-Besucher) klug durch die Weimarer Musikgeschichte zu führen, mit ihren Protagonisten bekannt zu machen und nicht zuletzt spannend zu unterhalten.
Eine Ausstrahlung, die bis heute Bestand hat. Die „Tage Neuer Musik in Weimar“, initiiert von Michael von Hintzenstern, sind weltberühmt; der Jazz hat in Weimar ebenfalls eine Heimat – zum Beispiel dank der „bauhauskapelle“, von der ein Berliner Kritiker einmal behauptete: „die beste Jazzband, die ich je toben hörte“.
Von alldem erzählt Heinz Stade mit viel Empathie, sehr kompetent und klug. So begegnen uns auf den Stadeschen „Spaziergängen durch das musikalische Weimar von gestern und heute“ bedeutete Komponisten, Musiker und Musikförderer. Wir treffen sie an den Orten in Weimar, wo sie alle mehr oder weniger Weimarer und europäische Musikgeschichte geschrieben haben: Im Goethe-Haus und im Stadtschloss, in der Stadtkirche und im Schloss Belvedere, in den Sommerschlössern und Parks von Ettersburg und Tiefurt.
Beim nächsten Besuch in Weimar sollte dieser wunderbare Reise(ver)führer, der nicht zuletzt sehr schön illustriert ist, unbedingt dabei sein. ♦
Heinz Stade: Bach, Liszt und Wagner – Spaziergänge durch das musikalische Weimar von gestern und heute. 80 Seiten, Edition Leipzig, ISBN 978-3-361-00725-3
Die Computerschach-Kenner unter der Leserschaft wissen es längst, und alle anderen Schachfreunde mögen einfach von den rasanten Erfolgen anderer Computer-Sparten aufs Schachberechnen schließen, dann ahnen sie ebenfalls: Die modernen Schachprogramme spielen inzwischen ein Schach wie vom anderen Stern. Behauptete der Mensch Jahrhunderte lang und noch bis vor kurzem mit kaum präzise definierbaren Begriffen wie „Planvolles Spiel“ oder „Strategie“ seine angeblichen „menschlichen Vorzüge“, nur um die hoffnungslose Unterlegenheit seiner Rasse gegenüber der Maschine zu kaschieren, ist heutzutage einfach zu offensichtlich, dass aktuelle Hardware im Verbund mit den raffinierten modernen Algorithmen dem human brain null Chancen mehr einräumen – die Weltspitze eingerechnet.
Hochwertiges Schach der modernen Engines
Wer also extrem qualitätsvolle, nach wirklich allen Regeln der Schachkunst ausgetragene, durchaus mit Opferwendungen gespickte, in vielen Fällen auch überraschend „kreativ“ gespielte, vielzügig berechnete, aber eben zugleich (fast) perfekte Schachpartien bewundern will, der kann heutzutage einfach seine Schachmotoren (sog. Engines) in einer der vielen Schachoberflächen (Graphical User Interfaces GUI) aufeinander loslassen, und ein paar Stunden später hat er ggf. hunderte von hochwertigen Chess-Games auf seiner Festplatte.
Die schöpferische Schachleistung des Menschen
Seit langem wartet die Schach-Szene auf einen Kampf zwischen Weltmeister Magnus Carlsen und…
Damit man mich nicht falsch versteht: Selbstverständlich macht es mindestens ebenso viel Spaß, den ganz großen Spitzenspielern des aktuellen Weltschachs bei ihren Turnieren zuzuschauen. Denn Schach-Weltmeister Magnus Carlsen & Co. bieten Kampfschach vom Allerfeinsten, ihre schöpferischen Leistungen sind unvergleichlich, und all die vielen psychologischen Aspekte des Königlichen Spiels sind ein hochinteressanter Bestandteil der menschlichen Kulturgeschichte überhaupt. Muss man darüber hinaus gegenüber dem aktiven Schachspieler noch erwähnen, dass nichts über das Spiel on-the-board, also face-to-face geht – ob nun im Verein oder im Internet?
Computer- und Menschen-Schach ergänzen sich
Für heutige Adepten des Königlichen Spiels geht es also nicht um ein Entweder-oder, sondern um das Sowohl-als-auch. Eine regelrechte Symbiose gehen dabei das Computer- und das Menschen-Schach im modernen Fernschach ein – über die große Bedeutung der Engines bei Analyse und Zuggenierung in FS-Turnieren lese man auch das Interview mit Fernschach-Großmeister Arno Nickel. Selbstverständlich hat aber der Computer längst Einzug gehalten auch in die häusliche Vorbereitung aller starken Turnierspieler. Kommerzielle Programme wie z.B. die Schach-Datenbank Chessbase oder die Schach-Oberfläche Fritz gehören seit Jahren zum unverzichtbaren Software-Park der Großmeister. Daneben kann auch jeder Vereinsamateur inzwischen eine Vielzahl von hervorragenden Freeware-Engines wie Stockfish, Fizbo, Andscacs oder Critter sowie passende Gratis-GUI’s wie Arena oder SCID u.a. downloaden.
Dem Remis-Tod entgegenwirken
… dem aktuell weltbesten Schach-Programm Stockfish. Wahrscheinlich generierte die Begegnung eine ganze Reihe von Remisen…
Lässt man nun solche Computerschach-Turniere mit den heutigen Programmen ausspielen, stößt man schnell auf ein eher unschönes Phänomen: den sog. Remis-Tod. Ein Begriff, den seinerzeit schon die „Schachmaschine“ Jose Capablanca im Munde führte, und den später Weltmeister Bobby Fischer ebenfalls verwendete (und mit seinem Chess960 bzw. Fischer-Random-Chess dann gleich aktiv zu bekämpfen versuchte). Gemeint ist, dass die enorme Spielstärke der Top-10-Engines zwar hochstehende, aber auch viel zu häufig unentschiedene Partien generiert. Da das extreme Niveau der Programme schnelle Überfälle aufgrund von groben Taktik-Fehlern verunmöglicht, geht zwangsläufig ein sehr hoher Prozentsatz der Games remis aus. Korrektes, aber eben langweiliges Geschiebe über ganze Engine-Turniere hinweg ist das öde Resultat.
Wahl des Opening-Books entscheidend
Direkt abhängig und darum beeinflussbar ist dieser Remis-Tod von bzw. mit der Art bzw. Qualität des sog. Eröffnungsbuches, das man den Engines vorsetzt. Lange Zeit galt diesbezüglich ja die Devise, möglichst ausgeglichene, bis weit ins Mittelspiel hinein analysierte Opening-Books zu verwenden. Mit dem Resultat, dass die Programme nicht nur die Eröffnungsphase elegant umschummeln konnten, sondern viel zu häufig gleich im Übergang Mittelspiel-Endspiel landeten, wo dann womöglich auch noch eine ewig lange Seeschlange ihren Anfang nahmen…
Das Problem kann grundsätzlich auf drei Arten angegangen werden: Entweder lässt man die Turniere mit extra eng bemessenen Book-Vorgaben (fünf bis sieben Züge) ausspielen; oder man verwendet spezifische Gambit-Bücher – siehe beispielsweise hier das 1. Engine-Gambit-Turnier 2017 -; oder aber es kommen speziell präparierte Books zum Einsatz, die Asymmetrien der Konstellationen aufweisen, doch trotzdem nicht das Gleichgewicht zu ungunsten der Weiß- oder Schwarz-Seite verschieben.
SALC means (S)hort (A)nd (L)ong (C)astling: The SALC books were created out of human games (both players >=2000 Elo, game at least 30 moveslong, castling to opposite sides (if white played 0-0, black played 0-0-0. If white played 0-0-0, black played 0-0)), both queens still on board. No double games. When using SALC, the chance for attacks towards the opponent king is much higher than using normal opening-books. Because of this, computerchess using this book, will bring more action and fun to watch (and a measureable lower number of draws), because the faster the computers get,the higher the quality of computerchess get and the higher the draw-rate in engine-engine-matches get…so the computerchess is in danger to die the „draw-death“ in the near future.
Das SALC weist inzwischen mehrere Derivate auf – für mein nachstehend erläutertes Turnier verwendete ich eine 9-moves-Variante, die also 18 Plies (= Halbzüge) und eben nur Eröffnungssysteme mit ungleichseitiger Rochade enthält. Pohl verspricht sich davon mehr Königsangriffe und überhaupt „more action and fun to watch“. Ein interessanter Ansatz also, der es wert ist vermehrt bei Engine-Turnieren berücksichtigt zu werden.
SALC-Turnier mit 10 der besten Engines
Also habe ich mal ein Computerschach-Turnier mit zehn der besten aktuellen Motoren aufgesetzt bei einem 4-rundigen Modus, wobei die folgenden Spezifikationen galten:
AMDFX-8350 (4 Ghz) – 64bit – 4 Cores
Fritz 15 – Hash 1Gb (inkl. Nalimov-TBs)
SALC-Ctg. Book (9moves) – 5 Min. Bedenkzeit/Engine
Ein Blick auf die nachstehende Rangliste zeigt sofort: Ohne Remis-Ergebnisse geht’s natürlich auch mit dem SALC nicht – ganz genau genommen endeten 74 der insgesamt 180 Partien unentschieden. Immerhin: die deutliche Mehrheit der Partien weist ein Sieg-Niederlage-Resultat auf. Wer weitere Detail-Analysen des Turniers anstellen will, kann hier alle Partien downloaden.
Das Resultat des kleinen SALC-Engine-Turnieres mit 180 Partien zeigt die übliche Hierarchie der aktuellen Programm-Szene (Klick auf die Tabelle für Vergrösserung)
Die Rangliste selber weist keine Unregelmäßigkeiten auf, sondern spiegelt – trotz relativ wenigen Partien – in etwa die aktuelle Hierarchie wieder: Das Stockfish-Assembler-Derivat AsmFish als eindeutiger Überflieger, die immer noch extrem spielstarken Engines Komodo und Houdini in der zweiten Reihe, als dritte Garnitur dann Deep Shredder 13 & Co. schließlich Critter mit Gefolge.
Inwiefern die 180 Partien nun tatsächlich „more action and fun“ haben, müsste eine eifrige Binnenanalyse des Turniers zeigen. Dass aber dieses SALC-Turnier trotz knapper Bedenkzeit und eingeschränkter Bandbreite der Eröffnungen prächtige Partien zeitigte, beweist die folgende kleine Auslese an Rosinen.
Fazit: Ob das SALC-Book tatsächlich signifikant weniger Remis-Partien generiert in Engine-Turnieren, könnten statistisch aussagekräftig natürlich erst deutlich umfangreichere Turniere beweisen.1) Aber gefühlt ist das SALC bestimmt eine Bereicherung des Book-Angebotes, es stellt mit seinen konsequent ungleichseitigen Rochaden eine schachliche Aufwertung dar. ♦
1)Auf seiner Webseite präsentiert Stefan Pohl bereits eine Reihe umfangreicher Experimente mit dem SALC-Book. Sie dokumentieren in der Tat einen deutlichen Rückgang der Remisquote bei Verwendung dieses Eröffnungsbuches.
Lesen Sie im Glarean Magazin zum Thema „Eröffnung“ auch den Beitrag über die Schachsoftware „Opening Encyclopaedia“ (Chessbase)
Moderne Walzer für Sinfonisches Blasorchester gesucht
Ein Kompositionswettbewerb für „originelle Gebrauchsmusik der Gattung ‚Walzer'“ wird von der Zentralkapelle Berlin ausgeschrieben. Einzureichen sind bei dem (mit Mitteln der Jeunesses Musicales Berlin geförderten) Contest solche Bläser-Walzer, die drei bis vier Minuten dauern, und die „nicht auf Klischees verfallen bzw. mit Klischees kreativ umgehen“. Ansonsten ist die Wahl der Tonsprache freigestellt.
Leichte Spielbarkeit und klangliche Robustheit
Die Zentralkapelle Berlin schreibt einen Walzer-Kompositionswettbewerb 2018 für Sinfonisches Blasorchester aus.
Erwünscht ist die Standardbesetzung eines Sinfonischen Blasorchesters (in voller und in minimaler Besetzung) sowie eine leichte Spielbarkeit, eine gewisse „klangliche Robustheit“ (z.B. Eignung für Open-Air-Aufführungen) und zudem „Tanzbarkeit“. Die Partituren können als PDF-Dateien per E-Mail eingereicht werden. Einsende-Schluss ist am 15. Oktober 2017; hier finden sich die Einzelheiten der Wettbewerbs-Ausschreibung.♦
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