“Ich komponiere, weil ich komponieren muss”

von Wolf­gang-Armin Rittmeier

“Ich kann diese bil­lige Ghetto-Musik nicht hören”. Das ist star­ker Tobak und nichts Gerin­ge­res als eine wahr­lich ver­nich­tende Kri­tik, zumal sie nicht von irgend jeman­dem stammt, son­dern von Leo­nard Bern­stein. Ziel des Spot­tes war die erste Sym­pho­nie des Tan­gle­wood-Sti­pen­dia­ten Alan Hovha­ness, der 1911 als Alan Vaness Chak­mak­jian gebo­ren wurde. Doch Bern­stein war nicht der ein­zige Kom­po­nist in Tan­gle­wood, der nichts mit der Musik des jun­gen Ame­ri­ka­ners arme­nisch-schot­ti­scher Her­kunft anfan­gen konnte. Auch Aaron Cop­land lehnte seine Musik strikt ab. Glei­ches gilt für Vigil Thomson.

Ablehnung durch die arrivierte amerikanische Musikwelt

Die Ableh­nung dreier ein­fluss­rei­cher Män­ner der ame­ri­ka­ni­schen Musik­welt mag ein Grund dafür sein, dass Hovha­ness’ Musik auch in Europa so gut wie unbe­kannt geblie­ben und so gut wie nie im Kon­zert­saal zu erle­ben ist. Ein ande­res Moment, das dazu geführt hat, in den Krei­sen der euro­päi­schen E-Musik pein­lich berührt und mit einem Anflug an Scha­mes­röte stand­haft an Hovha­ness vor­bei­zu­bli­cken, ist die schlecht zu leug­nende Tat­sa­che, dass seine musi­ka­li­sche Spra­che schnell so klin­gen kann wie eso­te­risch ange­hauchte, an asia­ti­schen Klän­gen ori­en­tierte Ent­span­nungs­mu­sik. Räu­cher­stäb­chen, Man­tras, “Om” und Hovha­ness als stim­mungs­vol­ler Sound­track. Der­lei kann man sich, beschäf­tigt man sich nicht wei­ter mit Phi­lo­so­phie und Œuvre des Kom­po­nis­ten, schon schnell als Mei­nung und end­gül­ti­ges Urteil zurecht­le­gen. Spä­tes­tens jedoch, wenn der Hörer dann noch über eines der popu­lärs­ten Werke des Kom­po­nis­ten stol­pert, das pünkt­lich zu Beginn der Heydays der New-Age-Bewe­gung in den USA im Jahre 1970 erschien und den ver­däch­ti­gen Titel “And God Crea­ted Great Wha­les” trägt, ist das letzte Quent­chen Offen­heit gegen­über Hovha­ness dahin. Denn wenn einer hin­geht und auf Ton­band gebannte Wal­ge­sänge in einer klass­si­chen Kom­po­si­tion unter­bringt, so kann man doch wohl kaum noch von einer ernst­zu­neh­men­den Kom­po­si­tion eines ernst­zu­neh­men­den Kom­po­nis­ten reden, oder?

Spirituelle Erneuerung durch die Kunst

Doch, man kann. Denn wen­det man sich weg vom allzu ein­fa­chen Eso­te­rik-Vor­wurf, so kann man in Hovha­ness Kom­po­si­tio­nen, die in ihrer Art voll­kom­men indi­vi­du­ell sind, einen Kon­tra­punkt zu der aka­de­misch arri­vier­ten Musik sei­ner Zeit (Cop­land, Bern­stein) erken­nen. Denn brachte Ame­rika auf der einen Seite den Intel­lekt fokus­sie­rende seri­ell ori­en­tierte Kom­po­nis­ten her­vor, so gab es mit Hovha­ness auf der ande­ren Seite einen natur­ver­bun­den Mys­ti­zis­mus, der aus der Über­zeu­gung des Kom­po­nis­ten her­vor­ging, dass die tech­ni­sierte Gegen­wart die Seele des Men­schen zer­stört habe und der Künst­ler dabei hel­fen müsse, die Mensch­heit spi­ri­tu­ell zu erneuern.

Das erkann­ten dann schliess­lich auch eine Reihe ande­rer Künst­ler wie bei­spiels­weise John Cage, Mar­tha Gra­ham, Leo­pold Sto­kow­ski und Fritz Rei­ner, die Hovha­ness unter­stütz­ten. Die­ses Jahr wäre er, der schliess­lich doch zu einem der gros­sen alten Män­ner der ame­ria­ka­ni­schen Musik­szene auf­stieg, ein­hun­dert Jahre alt gewor­den. Europa hat davon kaum Notiz genom­men und auch der CD-Markt hat nicht all­zu­viel zu die­sem Ereig­nis produziert.
Eine löb­li­che Aus­nahme ist eine Pro­duk­tion des Labels BMOP Sound, dem Haus­la­bel des “Bos­ton Modern Orches­tra Pro­ject”, einem der füh­ren­den ame­ri­ka­ni­schen Orches­ter im Sek­tor der neuen Musik. Grün­der und Diri­gent Gil Rose hat sich zum Hovha­ness-Jahr nicht lum­pen las­sen und eine Reihe von Wer­ken des Kom­po­nis­ten auf einer CD neu ein­ge­spielt, die vor­wie­gend aus des­sen frü­her Phase stam­men. Das frü­heste ist der 1933 ent­stan­dene “Song of the Sea”, und man darf glück­lich dar­über sein, dass die­ses zwei­tei­lige Stück für Kla­vier und Streich­or­ches­ter nicht jener gros­sen Ver­nich­tung von Früh­wer­ken anheim gefal­len ist, die Hovha­ness zwi­schen 1930 und 1940 durch­ge­führt hat. Es prä­sen­tiert einen Kom­po­nis­ten mit Sinn für grosse, unmit­tel­bar ver­ständ­li­che melo­di­sche Bögen und sinn­li­che Klang­far­ben, einen Nach­fol­ger Sibe­l­ius’ und Ver­wand­ten Vaug­han Wil­liams – einen spä­ten Spä­testro­ma­ti­ker also.

Die “Exile”-Symphonie

Die­ser kaum sechs Minu­ten wäh­ren­den Minia­tur mit dem herr­lich auf­spie­len­den BMPO unter Rose und einem höchst deli­kat gestal­ten­den John McDo­nald am Kla­vier folgt die 1936 ent­stan­dene erste Sym­pho­nie, die den Bei­na­men “Exile” führt. Das 1939 in Eng­land vom BBC Orches­tra unter der Lei­tung von Les­lie Heward urauf­ge­führte Werk gedenkt des Völ­ker­mor­ders an den Arme­ni­ern im Umkreis der Jahr­hun­dert­wende vom 19. zum 20. Jahr­hun­dert. Höchst ein­drucks­voll erhebt sich im ers­ten Satz (Andante espres­sivo – Alle­gro) über einer Osti­nato-Figur eine ori­en­ta­lisch ange­hauchte kla­gende Kla­ri­net­ten­mel­die, die wei­ter durch die ein­zel­nen Holz­blä­ser­grup­pen wan­dert, wobei sie immer wie­der ein­mal durch “heroi­sche” Fan­fa­ren unter­bro­chen wird. Plötz­lich bre­chen ner­vöse Strei­cher in die fei­er­li­che Klage her­ein, die Stim­mung ändert sich: krie­ge­ri­sche Ner­vo­si­tät kommt auf. Das ist wahr­lich nicht schlecht gemacht, weder was Mel­do­die­füh­rung, Instru­men­ta­tion noch was die Dra­ma­tur­gie des Sat­zes angeht. Ganz beson­ders begeis­tert die Spiel­kul­tur des BMPO, das minu­tiös jenen Wunsch umsetzt, den Hoh­va­ness ein­mal in einem Inter­view gegen­über Bruce Dif­fie geäus­sert hat: Er wolle kei­nen Klang­brei, son­dern dass man jeden Ton der Kom­po­si­tion höre. Bes­ser als hier gesche­hen ist, kann man das kaum rea­li­sie­ren.. Herr­lich auch der an mit­tel­al­ter­li­che Tanz­wei­sen erin­nernde Ton des zwei­ten Sat­zes (Gra­zioso), der die ruhige Stim­mung des vor­an­ge­gan­ge­nen Andante espres­sivo wie­der aufgreift.
Im drit­ten Satz, der bis­wei­len als “Tri­umph” bezeich­net wird, keh­ren die krie­ge­ri­schen Fan­fa­ren des ers­ten Sat­zes ebenso wie­der, wie die ner­vöse Osti­nato-Figur der Strei­cher, jetzt jedoch ein­ge­bet­tet in eine wie­derum alter­tüm­lich anmu­tende Chor­al­me­lo­die, die das Werk zu einem hym­ni­schen Abschluss bringt. In einer sei­ner Bewer­bun­gen für ein Sti­pen­dium der Gug­gen­heim-Stif­tung schreibt Hovha­ness 1941: “Ich schlage vor, einen heroi­schen und monu­men­ta­len Kom­po­si­ti­ons­stil zu schaf­fen, der ein­fach genug ist, um jeden Men­schen zu inspi­rie­ren, frei von Mode­er­schei­nun­gen, Manie­ris­mus und fal­scher Bil­dung, dafür direkt, ehr­lich und immer ursprüng­lich, aber nie unna­tür­lich.” Die “Exile Sym­phony” hat die­ses Pro­gramm bereits fünf Jahre zuvor umgesetzt.

Drei “Armenian Rhapsodies”

An die arme­ni­sche The­ma­tik schlies­sen die 1944 ent­stan­de­nen drei “Arme­nian Rhap­so­dies” an. Das musi­ka­li­sche Mate­rial zu die­sen kur­zen Orches­ter­stü­cken stammt aus Hovha­ness’ Zeit als Orga­nist der St. James Arme­nian Apos­to­lic Church in Water­town. Tat­säch­lich sind die drei Rhap­so­dien zusam­men genom­men ein Pan­op­ti­kum arme­ni­scher Folk­lore und Sakral­mu­sik. Da hört man leb­hafte Tänze, erns­ten Hym­nen und untröst­li­che Wei­sen, alle­samt für Strei­cher gesetzt, wobei an Inten­si­tät beson­ders die tief emp­fun­dene, kla­gende dritte Rhap­so­die hervorsticht.
Schliess­lich wird die CD abge­run­det durch das späte Kon­zert für Sopran­sa­xo­phon und Streich­or­ches­ter aus dem Jahre 1988, das – obgleich es aus­ge­spro­chen schön musi­ziert wird (her­vor­ra­gend: Ken­neth Rad­now­sky am Saxo­phon) – in die­ser Zusam­men­stel­lung ein wenig fehl am Platze wirkt. Denn obwohl Hovha­ness ein­mal sagte, man könne seine spä­ten von sei­nen frü­hen Kom­po­si­tio­nen im Grunde nicht unter­schei­den, so ist das doch nicht ganz rich­tig, und das Kon­zert für Sopran­sa­xo­phon ist dafür ein gutes Bei­spiel: Obschon Hovha­ness auch hier die kom­po­si­to­ri­schen Ele­mente sei­ner Früh­zeit nutzt, so tritt in der Melo­dik der arme­ni­sche Ton­fall zurück und ein sphä­ren­haf­tes Idiom, das seit der zwei­ten Sym­phony (Mys­te­rious Moun­tain, 1955) Hovha­ness’ Mar­ken­zei­chen gewor­den war, domi­niert. Zudem begeg­net man tra­di­tio­na­lis­ti­schen musi­ka­li­schen Kon­ven­tio­nen. Im ers­ten und letz­ten Satz begeg­nen wir gar der Fuge (Hovha­ness war lebens­lang ein gros­ser Bewun­de­rer der Bach’schen “Kunst der Fuge”), im zwei­ten einem ent­zü­cken­den lang­sa­men Wal­zer und schliess­lich einem Abschnitt, der wie eine Hom­mage an die Wie­ner Klas­sik anmu­tet. Und doch: Schön ist es in jedem Fall, das Werk nun über­haupt in einer Ein­spie­lung vor­lie­gen zu haben. ♦

Alan Hovha­ness, Exile-Sym­phony – Bos­ton Modern Orches­tra Pro­ject, Audio-CD, BMOP/sound 2011

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