„Ich komponiere, weil ich komponieren muss“

von Wolf­gang-Ar­min Rittmeier

„Ich kann die­se bil­li­ge Ghet­to-Mu­sik nicht hö­ren“. Das ist star­ker To­bak und nichts Ge­rin­ge­res als eine wahr­lich ver­nich­ten­de Kri­tik, zu­mal sie nicht von ir­gend je­man­dem stammt, son­dern von Leo­nard Bern­stein. Ziel des Spot­tes war die ers­te Sym­pho­nie des Tan­gle­wood-Sti­pen­dia­ten Alan Hovha­ness, der 1911 als Alan Va­ness Chak­mak­ji­an ge­bo­ren wur­de. Doch Bern­stein war nicht der ein­zi­ge Kom­po­nist in Tan­gle­wood, der nichts mit der Mu­sik des jun­gen Ame­ri­ka­ners ar­me­nisch-schot­ti­scher Her­kunft an­fan­gen konn­te. Auch Aa­ron Co­p­land lehn­te sei­ne Mu­sik strikt ab. Glei­ches gilt für Vi­gil Thomson.

Ablehnung durch die arrivierte amerikanische Musikwelt

Die Ab­leh­nung drei­er ein­fluss­rei­cher Män­ner der ame­ri­ka­ni­schen Mu­sik­welt mag ein Grund da­für sein, dass Hovha­ness‘ Mu­sik auch in Eu­ro­pa so gut wie un­be­kannt ge­blie­ben und so gut wie nie im Kon­zert­saal zu er­le­ben ist. Ein an­de­res Mo­ment, das dazu ge­führt hat, in den Krei­sen der eu­ro­päi­schen E-Mu­sik pein­lich be­rührt und mit ei­nem An­flug an Scha­mes­rö­te stand­haft an Hovha­ness vor­bei­zu­bli­cken, ist die schlecht zu leug­nen­de Tat­sa­che, dass sei­ne mu­si­ka­li­sche Spra­che schnell so klin­gen kann wie eso­te­risch an­ge­hauch­te, an asia­ti­schen Klän­gen ori­en­tier­te Ent­span­nungs­mu­sik. Räu­cher­stäb­chen, Man­tras, „Om“ und Hovha­ness als stim­mungs­vol­ler Sound­track. Der­lei kann man sich, be­schäf­tigt man sich nicht wei­ter mit Phi­lo­so­phie und Œu­vre des Kom­po­nis­ten, schon schnell als Mei­nung und end­gül­ti­ges Ur­teil zu­recht­le­gen. Spä­tes­tens je­doch, wenn der Hö­rer dann noch über ei­nes der po­pu­lärs­ten Wer­ke des Kom­po­nis­ten stol­pert, das pünkt­lich zu Be­ginn der Heydays der New-Age-Be­we­gung in den USA im Jah­re 1970 er­schien und den ver­däch­ti­gen Ti­tel „And God Crea­ted Gre­at Wha­les“ trägt, ist das letz­te Quent­chen Of­fen­heit ge­gen­über Hovha­ness da­hin. Denn wenn ei­ner hin­geht und auf Ton­band ge­bann­te Wal­ge­sän­ge in ei­ner klass­si­chen Kom­po­si­ti­on un­ter­bringt, so kann man doch wohl kaum noch von ei­ner ernst­zu­neh­men­den Kom­po­si­ti­on ei­nes ernst­zu­neh­men­den Kom­po­nis­ten re­den, oder?

Spirituelle Erneuerung durch die Kunst

Doch, man kann. Denn wen­det man sich weg vom all­zu ein­fa­chen Eso­te­rik-Vor­wurf, so kann man in Hovha­ness Kom­po­si­tio­nen, die in ih­rer Art voll­kom­men in­di­vi­du­ell sind, ei­nen Kon­tra­punkt zu der aka­de­misch ar­ri­vier­ten Mu­sik sei­ner Zeit (Co­p­land, Bern­stein) er­ken­nen. Denn brach­te Ame­ri­ka auf der ei­nen Sei­te den In­tel­lekt fo­kus­sie­ren­de se­ri­ell ori­en­tier­te Kom­po­nis­ten her­vor, so gab es mit Hovha­ness auf der an­de­ren Sei­te ei­nen na­tur­ver­bun­den Mys­ti­zis­mus, der aus der Über­zeu­gung des Kom­po­nis­ten her­vor­ging, dass die tech­ni­sier­te Ge­gen­wart die See­le des Men­schen zer­stört habe und der Künst­ler da­bei hel­fen müs­se, die Mensch­heit spi­ri­tu­ell zu erneuern.

Das er­kann­ten dann schliess­lich auch eine Rei­he an­de­rer Künst­ler wie bei­spiels­wei­se John Cage, Mar­tha Gra­ham, Leo­pold Sto­kow­ski und Fritz Rei­ner, die Hovha­ness un­ter­stütz­ten. Die­ses Jahr wäre er, der schliess­lich doch zu ei­nem der gros­sen al­ten Män­ner der ame­ria­ka­ni­schen Mu­sik­sze­ne auf­stieg, ein­hun­dert Jah­re alt ge­wor­den. Eu­ro­pa hat da­von kaum No­tiz ge­nom­men und auch der CD-Markt hat nicht all­zu­viel zu die­sem Er­eig­nis produziert.
Eine löb­li­che Aus­nah­me ist eine Pro­duk­ti­on des La­bels BMOP Sound, dem Haus­la­bel des „Bos­ton Mo­dern Or­ches­tra Pro­ject“, ei­nem der füh­ren­den ame­ri­ka­ni­schen Or­ches­ter im Sek­tor der neu­en Mu­sik. Grün­der und Di­ri­gent Gil Rose hat sich zum Hovha­ness-Jahr nicht lum­pen las­sen und eine Rei­he von Wer­ken des Kom­po­nis­ten auf ei­ner CD neu ein­ge­spielt, die vor­wie­gend aus des­sen frü­her Pha­se stam­men. Das frü­hes­te ist der 1933 ent­stan­de­ne „Song of the Sea“, und man darf glück­lich dar­über sein, dass die­ses zwei­tei­li­ge Stück für Kla­vier und Streich­or­ches­ter nicht je­ner gros­sen Ver­nich­tung von Früh­wer­ken an­heim ge­fal­len ist, die Hovha­ness zwi­schen 1930 und 1940 durch­ge­führt hat. Es prä­sen­tiert ei­nen Kom­po­nis­ten mit Sinn für gros­se, un­mit­tel­bar ver­ständ­li­che me­lo­di­sche Bö­gen und sinn­li­che Klang­far­ben, ei­nen Nach­fol­ger Si­be­l­i­us‘ und Ver­wand­ten Vaug­han Wil­liams – ei­nen spä­ten Spä­testro­ma­ti­ker also.

Die „Exile“-Symphonie

Die­ser kaum sechs Mi­nu­ten wäh­ren­den Mi­nia­tur mit dem herr­lich auf­spie­len­den BMPO un­ter Rose und ei­nem höchst de­li­kat ge­stal­ten­den John Mc­Do­nald am Kla­vier folgt die 1936 ent­stan­de­ne ers­te Sym­pho­nie, die den Bei­na­men „Exi­le“ führt. Das 1939 in Eng­land vom BBC Or­ches­tra un­ter der Lei­tung von Les­lie He­ward ur­auf­ge­führ­te Werk ge­denkt des Völ­ker­mor­ders an den Ar­me­ni­ern im Um­kreis der Jahr­hun­dert­wen­de vom 19. zum 20. Jahr­hun­dert. Höchst ein­drucks­voll er­hebt sich im ers­ten Satz (An­dan­te es­pres­si­vo – Al­le­gro) über ei­ner Os­ti­na­to-Fi­gur eine ori­en­ta­lisch an­ge­hauch­te kla­gen­de Kla­ri­net­ten­mel­die, die wei­ter durch die ein­zel­nen Holz­blä­ser­grup­pen wan­dert, wo­bei sie im­mer wie­der ein­mal durch „he­roi­sche“ Fan­fa­ren un­ter­bro­chen wird. Plötz­lich bre­chen ner­vö­se Strei­cher in die fei­er­li­che Kla­ge her­ein, die Stim­mung än­dert sich: krie­ge­ri­sche Ner­vo­si­tät kommt auf. Das ist wahr­lich nicht schlecht ge­macht, we­der was Mel­do­die­füh­rung, In­stru­men­ta­ti­on noch was die Dra­ma­tur­gie des Sat­zes an­geht. Ganz be­son­ders be­geis­tert die Spiel­kul­tur des BMPO, das mi­nu­ti­ös je­nen Wunsch um­setzt, den Hoh­va­ness ein­mal in ei­nem In­ter­view ge­gen­über Bruce Dif­fie ge­äus­sert hat: Er wol­le kei­nen Klang­brei, son­dern dass man je­den Ton der Kom­po­si­ti­on höre. Bes­ser als hier ge­sche­hen ist, kann man das kaum rea­li­sie­ren.. Herr­lich auch der an mit­tel­al­ter­li­che Tanz­wei­sen er­in­nern­de Ton des zwei­ten Sat­zes (Gra­zio­so), der die ru­hi­ge Stim­mung des vor­an­ge­gan­ge­nen An­dan­te es­pres­si­vo wie­der aufgreift.
Im drit­ten Satz, der bis­wei­len als „Tri­umph“ be­zeich­net wird, keh­ren die krie­ge­ri­schen Fan­fa­ren des ers­ten Sat­zes eben­so wie­der, wie die ner­vö­se Os­ti­na­to-Fi­gur der Strei­cher, jetzt je­doch ein­ge­bet­tet in eine wie­der­um al­ter­tüm­lich an­mu­ten­de Chor­al­me­lo­die, die das Werk zu ei­nem hym­ni­schen Ab­schluss bringt. In ei­ner sei­ner Be­wer­bun­gen für ein Sti­pen­di­um der Gug­gen­heim-Stif­tung schreibt Hovha­ness 1941: „Ich schla­ge vor, ei­nen he­roi­schen und mo­nu­men­ta­len Kom­po­si­ti­ons­stil zu schaf­fen, der ein­fach ge­nug ist, um je­den Men­schen zu in­spi­rie­ren, frei von Mo­de­er­schei­nun­gen, Ma­nie­ris­mus und fal­scher Bil­dung, da­für di­rekt, ehr­lich und im­mer ur­sprüng­lich, aber nie un­na­tür­lich.“ Die „Exi­le Sym­pho­ny“ hat die­ses Pro­gramm be­reits fünf Jah­re zu­vor umgesetzt.

Drei „Armenian Rhapsodies“

An die ar­me­ni­sche The­ma­tik schlies­sen die 1944 ent­stan­de­nen drei „Ar­me­ni­an Rhap­so­dies“ an. Das mu­si­ka­li­sche Ma­te­ri­al zu die­sen kur­zen Or­ches­ter­stü­cken stammt aus Hovha­ness‘ Zeit als Or­ga­nist der St. Ja­mes Ar­me­ni­an Apos­to­lic Church in Wa­ter­town. Tat­säch­lich sind die drei Rhap­so­dien zu­sam­men ge­nom­men ein Pan­op­ti­kum ar­me­ni­scher Folk­lo­re und Sa­kral­mu­sik. Da hört man leb­haf­te Tän­ze, erns­ten Hym­nen und un­tröst­li­che Wei­sen, al­le­samt für Strei­cher ge­setzt, wo­bei an In­ten­si­tät be­son­ders die tief emp­fun­de­ne, kla­gen­de drit­te Rhap­so­die hervorsticht.
Schliess­lich wird die CD ab­ge­run­det durch das spä­te Kon­zert für So­pran­sa­xo­phon und Streich­or­ches­ter aus dem Jah­re 1988, das – ob­gleich es aus­ge­spro­chen schön mu­si­ziert wird (her­vor­ra­gend: Ken­neth Rad­now­sky am Sa­xo­phon) – in die­ser Zu­sam­men­stel­lung ein we­nig fehl am Plat­ze wirkt. Denn ob­wohl Hovha­ness ein­mal sag­te, man kön­ne sei­ne spä­ten von sei­nen frü­hen Kom­po­si­tio­nen im Grun­de nicht un­ter­schei­den, so ist das doch nicht ganz rich­tig, und das Kon­zert für So­pran­sa­xo­phon ist da­für ein gu­tes Bei­spiel: Ob­schon Hovha­ness auch hier die kom­po­si­to­ri­schen Ele­men­te sei­ner Früh­zeit nutzt, so tritt in der Me­lo­dik der ar­me­ni­sche Ton­fall zu­rück und ein sphä­ren­haf­tes Idi­om, das seit der zwei­ten Sym­pho­ny (Mys­te­rious Moun­tain, 1955) Hovha­ness‘ Mar­ken­zei­chen ge­wor­den war, do­mi­niert. Zu­dem be­geg­net man tra­di­tio­na­lis­ti­schen mu­si­ka­li­schen Kon­ven­tio­nen. Im ers­ten und letz­ten Satz be­geg­nen wir gar der Fuge (Hovha­ness war le­bens­lang ein gros­ser Be­wun­de­rer der Bach’schen „Kunst der Fuge“), im zwei­ten ei­nem ent­zü­cken­den lang­sa­men Wal­zer und schliess­lich ei­nem Ab­schnitt, der wie eine Hom­mage an die Wie­ner Klas­sik an­mu­tet. Und doch: Schön ist es in je­dem Fall, das Werk nun über­haupt in ei­ner Ein­spie­lung vor­lie­gen zu haben. ♦

Alan Hovha­ness, Exi­le-Sym­pho­ny – Bos­ton Mo­dern Or­ches­tra Pro­ject, Au­dio-CD, BMOP/sound 2011

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